Qué mostrarnos primero, qué mostrarnos después.

 

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Honestamente debo aceptar que  no pensé -sino hasta el final- que Grace (Nicole Kidman) Ann (Alakina Mann) and Nicholas (James Bentley) eran fantasmas; juré hasta la muerte que Bertha (Fiounnula Flanagan), Mr. Tuttle (Eric Sykes) y la mudita, Lydia (Elaine Cassidy) eran los que atraían a los espíritus que yacían en la mansión con el objetivo de volver loca a esta madre y quedarse ellos con la casa; vaya fatality el mio ¿no? Pues sí, The Others pone en evidencia 2 cosas: a) que obviamente estaba equivocada y, b) la habilidad de Alejandro Amenábar, su director y escritor, para ordernar los cuadros de forma tal que la historia se vaya desnudando al ritmo que él la dictó.

Bien sabido es que el orden de los fotogramas le indica al espectador el tiempo en que transcurren los actos; si se hace un orden limpio, se obtendrá también un sentido limpio y comprensible. Dicho esto, repasemos brevemente qué escenas nos dan indicios del verdadero sentido de la película y cuáles nos mantienen ajustados al velo de la primera impresión.

Los indicios:

  • El misterio de Bertha de no querer explicar la mudez de Lydia
  • El esconder las tumbas (que hasta el final no sabríamos que pertenecían a los nuevos inquilinos )
  • El diálogo entre Bertha y Mr. Tuttle acerca de cuándo sería el momento de revelar la realidad
  • El comentario que hace Ann, cuando Grace la ataca al confundirla con una anciana (Ann exclama refiriéndose a que este tipo de actos ya habían sucedido anteriormente)
  • La llegada de Charles, el esposo de Grace, en medio de la niebla (no sé ustedes pero de una pensé que era un espíritu)
  • Y las escenas que exponen explícitamente el sentido del film, como: La foto donde Bertha. Mr. Tuttle y Lydia aparecen muertos, uno al lado del otro (además del hecho que la fotografía estaba fechada del siglo XIX); el descubrimiento por parte de los niños de las tumbas de los nuevos sirvientes; y sobre todo cuando la médium, junto a los nuevos dueños de la casa están tratando de hacer contacto con los espíritus, Grace, Ann y Nicholas , en donde vemos en una imagen a Grace desordenando y tirando las hojas que hay en la mesa, y en la otra, solo las hojas revoloteando en la habitación; ese es el instante de la película en el que todos, como decimos en Venezuela, pelamos los ojos.

Ahora, también están las escenas que nos mantienen a la idea de que en realidad la casa está embrujada  por fantasmas que intenta ahuyentar a Grace y a su familia de su hogar:

  • Mágico es hacernos creer que los sonidos y susurros de “los otros” son ruidos fantasmagóricos, cuando en realidad son los sonido que hacen Grace y su familia los que tienen la tilde paranormal
  • La segunda escena que muestra la llegada de Bertha, Mr. Tuttle y Lydia a la casa
  • La escena carnal entre Grace y su esposo, que por diégesis entendemos.
  • El ritmo de vida que llevan es medianamente cotidiano. Los niños estudian,  todos toman desayuno, almuerzo y cena; la madre está atenta al cuidado de sus hijos, etc.

Es preciso señalar que tales momentos son contextualizados por un personaje superior: la plaza. La mansión donde se desarrolla el trama pasa a ser un elemento que narra desde su aspecto y dimensión cómo van a sentirse cada uno de estos personajes en su respectivo rol, papel que es ubicado en aras del tiempo por la justa elección que hace Amenábar de qué mostrarnos primero y qué mostrarnos después.

Más parecido a un artículo mudo que a otra cosa

“La música de alguna manera va a ir acompañando al surrealismo”, ¿ pero y cómo no? Es  ella en sí misma quien hace el camino a las sensaciones que pretenden transmitir las escenas de un film; sobre todo, si es mudo, como el caso The Artist (2011), una composición de gestos y armonías donde el diálogo pasa a un plano menos relevante.

Solo imaginarse que en los años 20, en donde el cine no tenía sonido, se era espectador de 2 obras simultáneas: lo visual (la historia grabada) y del trabajo de una orquesta que en tiempo real seguía las instrucciones de un maestro,  ya es verdaderamente curioso y digno de admirar.  Volviendo a los puntos clave que mencioné en el primer párrafo, comencemos prestando atención a la expresión en este tributo al cine mudo dirigido por Michel Hazanaviciu.

Todo un reto para Jean Dujardin (George Valentin) el actuar en The Artist, pues este actor tendría que olvidarse del tono de la voz, el acento y el argumento, para valerse únicamente de la expresión, a fin de comunicar las acciones y reacciones de su personaje; de la misma forma le pasaría a Bérénice Bejo (Peppy Miller) en su actuación. Por ejemplo Dujardin, acentúa en su mirada, posición corporal (erguida o corva) y gestos con los labios los instrumentos para transmitir los sentimientos de Valentin, mientras que Bejo –al personificar a una coqueta aspirante a actriz- debe poner especial empeño en destacar lo que a una mujer la hace coqueta: el pestañeo,  la mirada con pupilas dilatadas,  la erguidez corpórea y la posición de los labios; el resto es carpintería.

La ovación de pie es para Ludovic Bource, el compositor y responsable de la musicalización del film. Su armonía responde perfectamente a la época (década de los 20) donde es ambientado; el tema principal de la película lo dice por sí solo, interpretado por la orquesta filarmónica de Bruselas y dirigido por Vladimir Nikolov; yo podría describirlo como un ritmo que te hace pensar que estás paseando por una calle de New York, bailando con un bastón y pidiendo taxis usando un silbido americano. Los violines por ejemplo,  son la primera pista de cómo debemos reaccionar ante una escena, dedicando las notas más graves a los momentos de tristeza o reflexión, y las medias, combinadas de clarinetes, pianos y xilófonos a eventos más ligeros que transcurren dentro de esta historia muda.

Para nadie es un secreto que la música es la principal promotora de emociones, en la vida real y en la fílmica. Las melodías que suenan cuando Valentin y Miller se encuentran por vez primera  nos suenan un tanto más juguetonas porque así necesita el director que suenen, en contraste de las que escuchamos cuando el ya olvidado actor coincide en el mismo restaurant al que Peppy es citada y tiene la oportunidad de oír alguno de los comentarios de Miller acerca del cine mudo… allí la entrada es para el arrepentimiento dictado a través de las teclas del piano que da antesala a la siguiente escena: Miller en el recibidor de la casa George Valentin, con la intención de disculparse por lo sucedido.

Intencionalmente y para sumergirme más en el papel, el soundtrack que me acompañó al escribir este artículo fue el que compuso Bource para The Artist. La experiencia aunque no fue tan rica como en la película – pues escribir con trombos y redobles de tambores te pone en un estado de tensión que no se los recomiendo-  te permite recordar constantemente que el sonido a través de los silencios, diálogos (en este caso escritos), sonido de ambiente y música es el que le da sentido a los estados de ánimo y eso,  las emociones,  es lo que le da ritmo al trama… real, ficticio, sonoro o mudo –como este artículo.video-artist-anatomy-articleLarge-v2

Manipulación o llámelo como quiera

En las películas, entender quién influye a quién es una herramienta útil para comprender algunos puntos claves de la trama. No significa que con esto podremos revelar los misterios del universo y la creación del mundo, sino que veremos con mayor claridad lo que se nos presenta en un audiovisual.

Para demostrar cómo funciona este análisis he escogido a la película de Cristopher Nolan, Memento. Tomé a sus 3 personajes principales y junto a ellos, al objeto que estuvieron persiguiendo todo el film, lo hayan o no conseguido.

Leonard (Personaje): perseguir y matar a Jhon G, a quien considera uno de los autores de la muerte de su esposa (objeto)
Natalie (Personaje): asesinar a Dodd, un elemento en el film con quien aparentemente tiene una deuda. (objeto).
Teddy (Personaje): perseguir y eliminar a un distribuidor de drogas llamado “Jhon G” (lo que en realidad es un seudónimo)

Aclarado esto, lo siguiente es ver cómo se dan las relaciones entre acción- personaje- objeto; observar si estos pasan de un estado actualizado (la búsqueda) a uno realizado (la consecución), o viceversa, dependiendo de cuál sea el estado inicial.

Comencemos por la acción de Teddy (St). Este policía logra que Leonard(Sl) pase de un estado actualizado a un estado realizado en el momento que Sl logra matar a Jimmy (pareja de Natalie) creyendo que finalmente había asesinado al sujeto que mató a su esposa. No obstante, aún cuando esto sucede, el estado de Sl en la película es permanentemente actualizado dada la acción de un personaje más (Ver abajo a S4)

Simultáneamente St colabora a que Natalie (Sn) consuma sus objetivos ya que al intentar colocar a Leonard en contra de ella, afianza la confianza que Sn busca conseguir en Sl para utilizarlo en sus propios fines ( FSt en Sn: Sn ˅ Osn —- Sn ˄ Osn ). No es intencional, pero tiene sus efectos.

No obstante, hay un cuarto personaje que es quien ejerce el mayor peso en la historia: la condición de Leonard y su pérdida de la memoria a corto plazo (S4). De hecho es S4 quien obliga a Sl a permanecer en un constante estado de búsqueda. (FS4 en Sl: Sl ˅ Osl —- Sl ˅ Osl). Por otro lado, S4 es un factor que favorece indudablemente a través de la acción el cometido de St. Teddy quiere capturar y acabar con Jimmy, un distribuidor de drogas de la zona, y sumerge a Lenny en una historia inventada que lo pone a perseguir el mismo fin de Teddy, bajo otros motivos: vengar la muerte de su esposa. Esto no lo hubiese logrado St si no fuera por la peculiar manera de recordar cosas que tiene Sl.

Ahora veamos que tan influyente es Lenny en la actuación de los demás. En resumidas cuentas Natalie y Teddy consiguen, a través de la acción de Leonard sus objetivos: St elimina a Jimmy y Sn elimina a Dodd. La diferencia está en que uno sale más beneficiado que el otro; aún cuando Teddy logra pasar de un estado actualizado a uno realizado, también consigue algo que no estaba en sus planes: la muerte. En todo este meollo, Leonard termina disparándole un tiro en la cabeza.

S4 juega un papel que Sn supo aprovechar a total conveniencia. En vista que Sl borraba inconscientemente sus memorias a corto plazo, ella se valió de esto para construir sus propias historias a modo de lograr fidelidad en sus beneficios. La acción de S4 consigue que Sn pase de ˅ a ˄.

En un tercer acercamiento tenemos a Natalie y a cómo su acción y no acción tienen consecuencia en el resto de los personajes. Su no acción se traduce en la “aparición de un estado realizado” en Lenny: Comienza en un estado actualizado y termina en uno actualizado. En el caso de la relación entre Natalie y el policía, no tengo claro cómo expresar la fórmula, pero si algo queda claro es que ella influye para que maten a Teddy.

Finalmente y en resumidas cuentas: Nadie hace nada por Leonard, todos buscan conseguir fines particulares a través él. Manipulación o llámelo como quiera.

Extra
Al tratarse de una película tan confusa como Memento, enfoqué mi análisis en sus principales actores. Dejando de lado a Dodd, a quien considero un objeto; al recepcionista, personaje conector pero reemplazable. Así mismo, no incluyo a Sammy ni a su esposa al creerlos una proyección –virtual- de Leonard y su esposa.

Para merendar un film

Esta noche comparto un pedacito del ponqué dalístico de Christopher Nolan, Inception o como lo conocimos por primera cara los venezolanos, El Origen. Luego de hacer una delimitación de la película en momentos, elegí que mi segmento comenzara desde la introducción de Ariadne (Ellen Page), estudiante de arquitectura,  a  Dom  Cobb (Leo DiCaprio) en un pasillo de la universidad, y terminara hasta el instante en que ella, luego de todo un recorrido bizarro por el inconsciente de Cobb, despierta y deja el cuarto, saliendo de la escena.

Mis unidades de análisis, en términos de práctica personal fueron el ambiente (trabajando con clasificaciones como realista o surrealista; en el aspecto, al menos) y la proximidad de los personajes.

En principio, una pequeña descripción membrana, por membrana

1- El padre de Cobb, introduce a Ariadne a su hijo. Real, un ambiente con una escenografía realista dado el transcurso e instante de la narrativa: están en el pasillo de la universidad, hay gente alrededor de ellos (profesores, estudiantes, etc) transitando. Con respecto a la proximidad entre protagonista y co protagonista, y partiendo de las reminiscencias de mi memoria, en Semiótica me enseñaron que existen 3 círculos principales de intimidad: El de uno personal, el que se tiene con amigos y familiares, y el que se extiende entre conocidos y personas introducidos por amigos. Este último fue sostenido por los personajes en su primer encuentro.

2- Prueba el potencial de Ariadne. Real, teniendo como escena las calles de París. Mientras pone a prueba las habilidades de creación de  la chica, lo que se observa es un paisaje que no está en nada fuera de lo común: una terraza, edificios, casas y árboles. La proximidad se mantiene igual que en el trozo 1.

3- Explica a la chica el porqué fue escogida y la introduce al conocimiento del mundo de los sueños. Mientras están compartiendo un café en un sitio de la ciudad, todo parece estar aparentemente en su lugar, por tanto, este fragmento también entra dentro de la clasificación “real”.  Aquí se produce el primer cambio en la proximidad de los actores, quienes se acercan para llegar al círculo de distancia que comparten amigos y familiares (círculo 2), tras una conversación de interés.

4- Estoy soñando. Aunque se mantienen en la misma escena, el ambiente se torna totalmente surrealista cuando las calles de lo que parecía ser un tranquilo café comienzan a estallar y los únicos que son afectados por este cambio, son ambos actores quienes aún antes la sorpresa (al menos ella) se mantienen como audiencia y a la misma distancia que en el trozo 3. Luego, despiertan.

5- La calle “se pone de cabeza”. Rotundamente surrealista concordando con el tiempo de la narrativa del film, en esta oportunidad Ariadne ya conoce la posibilidad que tiene de cambiar a gusto, como arquitecto, los sueños de un individuo; aquí practica en el subconsciente de Cobb y contiene ese enigmático momento de la película es que una de las calles pasa a ser el cielo de la ciudad, quedando ellos es una especie de cubo urbano. La proximidad vuelve a los estados del fragmento 1 y 2. Hay separación.

6- Ariadne recrea un lugar muy parecido a la realidad y sensibiliza a Cobb. Dentro del segmento seleccionado, esta es la única parte en donde el ambiente es mixto. Aún cuando el origen es bastante surrealista, con espejos que al cruzar reflejos pueden crear un nuevo paisaje, posteriormente pasa a ser una caminería  extrapolada de lo real al sueño , llevando al protagonista a recordar imágenes con quien había sido su esposa: justo en ese mismo lugar.  La proximidad aumenta a medida que lo hace la tensión entre los personajes. Finalmente, y después de un ataque del subconsciente de Cobb, despiertan

7- Reacciones post sueño. Real, en esta oportunidad volvemos a un fragmento de la realidad contextualizado en una sala de almacén, escenario para el futuro desarrollo de los planes del equipo. Una proximidad del círculo más íntimo se produce entre Ariadne y un segundo personaje, la mano derecha de Dom Cobb, quien busca asegurarse que la estudiante se encuentre en buen estado. No obstante, aún en shock por lo acontecido,  en un impulso la joven decide marcharse y deja la escena.

8- Final de la escena. Dom y Arthur (compañero de Dom) en el mismo almacén y sin cambios en el realismo que caracteriza la escena determinan cuál será el siguiente paso de acción. La proximidad no es relevante en esta parte ya que, a pesar de tener la suficiente confianza entre ellos, mantienen posiciones distantes al estar cada quien cumpliendo una labor

 

Al enumerar y ordenar las capas elegidas, yo, manteniendo la misma narrativa y respetando el ambiente,  le haría unos leves cambios solo del tipo de proximidad, considerando que la distancia que comparten los personajes podría pasar a un círculo 2 de intimidad y no volver a uno del tipo  1 y 2  en el fragmento 5, por considerar por ejemplo, que para Ariadne es una visión totalmente nueva de lo que es y lo que no es.  Normalmente, el ser humano al estar sumergido en situaciones desconocidas y ajenas a su conocimiento, tiende a acercarse a los puntos de reconocimiento, quienes serían para esta escena la figura de Cobb.

 

 

 

 

Para recomponer, pongamos juntos los similares.

 

Ambiente                                            Proximidad

1+ 7 + 8  =  Real interior                     1+ 2+ 5 = Círculo 3

2 + 3 = Real exterior                             3 + 4 = Círculo 2

4 + 5  =  Surreal                                    6 + 7 =  Círculo 1 (más intimo)

6 =  Mixto                                        8 =  Proximidad influida por factor externo.

 

Los ambientes donde hubo mayor proximidad entre los personajes solían estar contextualizados en sueños.  (Coinciden 3 + 4 + 6)

En las etapas de introducción y conocimiento de una situación nueva la distancia se inclinaba al círculo más externo de intimidad (Coinciden 1 + 2 + 5) Lo que no sorprende debido a que la mayoría de las veces en las que un individuo enfrenta una situación desconocida permanece en un estado dubitativo,  de expectativa y cautela.

 

Para finalizar con este ejercicio, elegí 4 instantes dentro del segmentos que bajo las combinaciones entre figurativo,  abstracto, estático y dinámico nos dan otra alternativa para expresar conceptos (verbales y no verbales).

 

Estático abstracto

Escena en la terraza, diurna, donde se da lugar a las pruebas  que hace Cobb a quien será su nuevo arquitecto.  Estas consisten en crear un laberinto lo más rápido posible (a papel y lápiz) al que el protagonista no sepa cómo encontrarle salida. Los primeros dos intentos de Ariadne son fácilmente escabullidos por la habilidad mental del interlocutor,  sin embargo al tercer intento esta consigue como poner en aprietos la astucia de su desafiante. Un cielo despejado, acompañado de árboles, casas y arquitectura clásica adornan la escena, lo que pudiera evocar la condición sin límites (como el cielo, sin techo) de la creatividad que predomina en el momento.

 

Dinámico abstracto:  

 Los escasos diálogos en esta escena exclaman por la que viene. El padre de Dom  presenta a su hijo con Ariadne.

 

Ariadne, me gustaría que conociera a Sr. Cobb – introduce el padre de Cobb

Mucho gusto, Sr.- responde la chica

Si tienes unos minutos, el señor Cobb tiene un trabajo que le gustaría proponerte –dice el padre

¿Así? ¿ Un trabajo de mi área? –responde ella

No exactamente – responde Cobb, mirándola fijamente

 (Fin de la escena)

 

                               Estático figurativo

                                         (             Imagen: Ariadne deja la escena. Imagen no disponible               )

Y mi favorita de toda la película, dinámico figurativo

Dinámico figurativo
Dinámico figurativo

Una película para repetir… al menos cada 6 meses.

 

 

¿Quién la tiene hoy? Análisis del cortometraje “La tengo no la tengo de los hermanos Klein”



Un cortometraje producido (y grabado en Caracas) por  Samuel y León Klein en la Venezuela del 2007 en donde las novelas de Venevisión y RCTV como “Mi Prima Ciela” o “Ciudad Bendita”  están repuntando en al menos 60% de los hogares; suena la música de Chino y Nacho en su recién lanzamiento como duo y Daniel Sarcos anima el Super Sábado Sensacional. Para ese entonces, el Miss Venezuela continua siendo celebrado en el poliedro y los temas en la Caracas del momento, al menos, entre los jóvenes, ocupaban más discusión a lo que se plateaba “para el finde” que en los inicios de un supuesto referéndum en puerta. Pronto vendría el cierre del canal 02; pero eso ya es otro cuento.

En todo este escenario Daniel, un chamo del este de La Capital, está casado con una nueva idea : Ser  un despreocupado con las mujeres (cero detalle, cero flor)  para lograr que estas lo tomen en serio, pensamiento que implanta luego que su ex novia, Vero, lo deje por otro. Entre el apoyo de sus amigos inclinados ante “el sexo saca otro clavo”, es incentivado a que encuentre de inmediato otra fémina, una cuestión casual.

El romántico que Daniel tiene adentro lo demuestra cuando aparece el segundo nudo de la historia ( que le dura lo que dura pasarle una botella a alguien) y se le complica aún al momento de encontrarse en la disparidad de tener 2 mujeres en su casa, en diferentes cuartos y sin conocimiento de que la otra está ahí: Una es la chica casual; la otra, su ex novia que vuelve arrepentida.

Durante 21 minutos y mediante aproximadamente 16 escenas es narrada la historia a través de versos visuales que derivan en encuadres – en su mayoría primeros planos, planos medios y planos generales. El primer plano es empleado más frecuentemente en el protagonista ya que es este quien tiene un juego de emociones que expresa mediante la gestualidad del rostro: el espectador ya está en su cabeza. Un ejemplo de esto es la primera escena en el café.

El plano medio usado en la escena en que sale del estudio para encontrarse en su cuarto ( con su segunda dama) es elemental para mostrarnos visualmente el dilema del protagonista ante el “sendo lío” que debe solventar para salir airoso de la situación.

Entre tanto, las tomas rápidas nos hablan de eso mismo, “transiciones rápidas de tiempo”, ellas, así como los colores de Mondrian destacan el blanco de sus pinturas, le dan protagonismo a los momentos claves tanto de la historia como para Daniel: El primer intercambio de miradas con una nueva chica. Tonos rosa acompañan la escena, que desde la perspectiva de algunos autores de la psicología del color estos coinciden en… “Así como el rojo refleja más la parte sexual, el rosa se asocia al amor altruista y verdadero. Nos hace sentir cariño, amor y protección. También nos aleja de la soledad y nos convierte en personas sensibles.”

El día y la noche transcurren en este cuarto de hora con leves fundidos en blanco y  transparencias. La musicalización es algo que no podemos dejar de lado porque siempre se ha dado a la tarea de indicarnos el humor de la escena: And I believe in reinvention – Do you believe that life is holding the clue? – Take away all the lonely moments – Give me full communication with you; “ reinventarse”.  La canción del grupo inglés, Syntax, decora los últimos cuadros del cortometraje.  El protagonista se reinventa a través de una nueva historia que nace al final de la pieza.

La tengo, no la tengo es un corto venezolano en el que participan códigos de nuestro gentilicio que van desde el “weon” que usan los hombres para comunicarse entre amigos, como la cerveza que los acompaña en los juegos de béisbol que ven desde la butaca de la sala.  Para el 2008 participó en festivales en Venezuela, USA y Colombia, así mismo su director y protagonista ganó en ambas categorías en el Barquisimeto Short Film Festival 2008.

Está simpática de ver. Los invito.